杨飞云 简介

中国艺术研究院中国油画院院长杨飞云

杨飞云，1954年生，内蒙古包头人。1982年毕业于中央美术学院油画系，在中央戏剧学院舞台美术系任教；1984年，调回中央美术学院油画系任教，任该院油画系教授。现为中国艺术研究院中国油画院院长、教授、博士生导师，中国美术家协会理事，中国油画学会理事，北京油画学会副主席，第十一届全国人大代表，北京美术家协会副主席，全国美术家协会油画艺术委员会副主任。

杨飞云具有非常强的造型展开能力和描绘能力，他像一个交响乐的指挥一样出色地将作品的基本旋律进行充分地展开、呈现、深入、丰富，并将它推入艺术表达的高潮。杨飞云十分重视作品的制作过程和操作过程：“整日里苦心于把握和表达这种冲动，全部生活似乎缠绕在这里边，画大一点，还是小一点，用笔刷上去还是摆上去，色彩强一点，还是弱一点，造型方一些，还是圆一些等等。这些非常具体的简单绘画因素碰到一起，在画家笔端的敏锐把握和整体控制当中，决定着整个作品的表达力度。好画家就是这样通过笔尖扎实的实践，倾注全部心血创作的一幅幅作品积累所致。”杨飞云在造型上的整体把握能力和控制能力良好，这不仅仅是一种能力，更重要的是一种成熟境界才会出现的修养。

从90年代到近几年，杨飞云沿着80年代的油画人物肖像主题，将原来以半身像作品为主的创作进展为全身人物肖像，从而就使作品增加了更多的生活气息和现实意味。确切地说，这类作品不仅仅是肖像画，而是有主题的人物画。画家关注的是今日现实生活和人物精神状态之间的关系，通过对人物和其生活环境的刻画，表达对于现实生活景象和生命存在的感受，寄寓自己的情怀。杨飞云是80年代中国油画“古典风”的重要代表之一，自踏上艺坛开始，就倾心于古典主义风格。在二十年的创作生涯中，杨飞云虔诚地守护着自己的艺术信念，无论在上世纪80年代的新潮美术时期，还是在90年代新艺术浪潮中，他都做到风起如斯，风止如斯，不改初衷。时至今日，杨飞云和他的古典主义油画已如一面无声的旗帜矗立于中国画坛上。杨飞云的笔下，女人体，女肖像一直是他绘画的主题，这出于他微妙、柔和、细腻的审美情趣，而这些东西在女性身上更能够找到。他的作品真挚朴素，从不刻意修饰人体的相貌造型，而这看似普通的人物形象，却能传达出一种温暖、实在、充满活力的美感，带领观者以一种真挚的情感去发掘、捕捉女性人体中青春的生命脉动。

杨飞云的油画品格，从外看是秩序和结构的完美，向内是意蕴和境界的温馨。他的画弥散着温馨的情调，有一种“平常心即道”的基本心态，因而，其人文理念是十足的人性和人本的。这与他热衷于西方文艺复兴的文艺传统有关，与他平时朴素的人品有关。杨飞云油画的文化准备、精神准备、情感准备、修缮准备、技术准备都是出色的、一流的，所有这些决定了杨飞云油画艺术的艺术品格之独到而高雅。他的绘画毫无媚俗之心，只有温馨平和之意，是理想化与现世化最鲜活的交融。杨飞云受业于靳尚谊，在学生时期便对古典绘画有浓厚的兴趣。之后，他在绘画语言上不断深入探索，力求在古典主义油画的风貌中表现不断发展的人文精神。他的画不仅追求整体效果上的完满，亦十分耐看，在细节上也从不流于形式，让人体会到纯朴和自然。他的“古典”不单指技法，更包含着的深沉与永恒的情怀，这种无声溢出、启于灵魂的力量令人为之专注和赞叹。

按照评论界一般定位习惯，杨飞云的作品被划归为古典写实主义绘画，主要依据是他所采用的绘画语言是传统的、学院式的。古典写实语言的传统在当前仿佛只具有历史意义，因为它的表述方式与现代潮流格格不入，仍然保持自身的传承性、独立性，以及无限的可发展性。杨飞云的作品在某种意义上就是对这种传统的捍卫和在当代的进一步拓展。现代艺术淡化了视觉语言本身的魅力，转而强调诸如观念性、思想性等远离艺术的因素，这种强调在意义及价值标准上的杂乱与失落已一览无遗。而杨飞云所执着与专注的始终是视觉语言在审美意义上的延伸。人皆谓其画“古典”正是因为杨飞云真正的体会到了“古典”意义的终极所在乃是一种浩瀚深沉，永恒发展的人文精神。作为一个敏感的艺术冢，杨飞云深谙其理，无论从个人气质，言行方式，阅读范围的选择都折射出古典精神于之影响之深。并与他独有的个人经历、人格、审美趣味融汇混合， 自然而然的产生了杨飞云式的古典主义风格。

绘画的形式是多元的，但多元化在现代已成为极端者制造混乱践踏美的规范的掩体。置身于形形色色艺术与伪艺术的潮流中，杨飞云显得既清醒而又超脱，他从未受到浅薄的流行样式和浮躁情绪的污染，也从未哀叹“世混浊而莫吾知兮”；而是以平静的心态去面对传统，从传统中及取美的精髓，以古典的人文精神做为他升华审美判断力的源泉，始终如一地守着自己在当代艺术坐标中的独特定位。 

《静物前的姑娘》，布面油画，100×80cm，1988年作。

第一幅 《静物前的姑娘》

【318欣赏】《静物前的姑娘》是杨飞云年富力壮，新婚燕尔之时期，以青梅竹马的夫人为模特所创作的系列作品中的巅峰之作，也被当之无愧地选作了1988年划时代的“油画人体艺术大展”画册的封面。是次大展史家已有定论，但这幅最具焦点性的作品却随风而逝，再也没有现身。今天，这幅前市场时代的巨迹渺然而至，历经了四分之一世纪的沉淀，象佳酿的陈酒一样，更加令人感到钩魂摄魄，回味久远。画面凝聚的感染力已达到结晶的浓度，朴实无华的形象，端庄典雅的气质更印证了先贤所谓的“健康之美方为大美”的美学准则。

《荷花屏风》，布面油画，200×180cm，1995年作。

第二幅 《荷花屏风》

拍卖会:2012秋季拍卖会

《女人与猫》，布面油画，115×125cm，1987年作。

第三幅 《女人与猫》

签  名：1987.8 飞云 

【318欣赏】此次上拍的作品《女人与猫》为画家最为擅长的题材，一定程度上呈现了他深厚的油画写实功力和欧洲传统技法在当代中国的演进。画中女子容貌清秀，乌发浓密，形体饱满，洋溢着青春的健康光彩。光线罩在人体上，柔和如轻纱般突出了肌肤光滑的质感。画家笔下东方女性古典、温润的特征十分鲜明，在感觉上又与观众十分贴近，有一种民间的亲切感。在形式上，画家以精练朴素的艺术语言追求精深与单纯，背景以单色简化提炼，更加突出了主体人物之丰盈。中国写实油画人物在杨飞云的探索中得到了坚实的实现，古典主义之美在其笔下吐露出生命的挚真和纯净。

《双项链》，布面油画，130×97cm，2011年作。

第四幅 《双项链》  

【318欣赏】《双项链》完成于2011年，是杨飞云近期精彩佳作之一。作品刚刚参加2012年中国写实画派七周年特展。从90年代到近几年，杨飞云的作品更注重了生活气息和现实意味的表现，通过对描绘对象，及其个性、穿着、服饰等细节的选择，使作品更为丰富，不仅仅是肖像画，更是有主题的人物画。逐渐寻找到一条既坚持古典传统，又对本民族文化精神加以关注的创作之路。此作品描绘的是一位时尚的青春女性端坐在椅子上，她右手轻轻托腮，左手拽着一面中国的老式圆镜而自然垂放。人物塑造结构之严谨，线条之丰富，内涵之精当都可圈可点。人物后面是一块熟褐色的背景墙，上面挂着一幅西方古典油画，画中有画，古典中更显古典。而整个画面的亮点就在人物胸前的两条充满东方少数民族风情项链上，不仅体现出作者的绘画毫无媚俗之心，还刻意引用用东方元素、中国元素和谐地冲击着西方古典元素吸引观者眼球。往往画中人物的眼睛都是画家最想刻画的地方之一，杨飞云笔下的眼睛大都是大而亮的，流露出一种似乎不可揣摩，但又充满希望和憧憬的目光。画中的女孩静静地凝视着画面外的某个角落，似乎若有所思，似乎有所期待，让人联想，让人回味，有很强的视觉效果与互动性。杨飞云，用纯正细致的古典油画语言，向人们展示他在日常生活中发掘出的美，呈现的是一种在世俗生活中找不到的纯净和空灵。他淡泊嚣嚣尘世，洗净一切铅华，只有带着一颗仰望的心去创作出更多震撼心灵的作品来。

《木卡姆艺人和他的学生》，布面油画，162×130cm，2012年作。

第五幅 《木卡姆艺人和他的学生》 

拍卖会：2012春季拍卖会

《红色的张力》，布面油画，167×130cm，2002年作。

第六幅 《红色的张力》 

《红色的张力》画于2002年，这是杨飞云的代表作，318小编认为，画面以画家十分敏锐的感知来观察他周围的世界，用红色的张力来体现出这种切实的生活感受，红色的帐幔、红色的被褥、红色的裙子，所有的一切都是中国人眼中最喜庆的事情，无法脱离的中国人内心世界，在画家的笔下达到了极致，大约从1999年开始，杨飞云在技术、综合的细节，表现的细微方面没有太多的改变，相反在艺术的内在表现力上，有着重大突破，成为具有半个哲学家头脑的画家，这也是这件作品能成为他的代表作的原因所在。杨飞云是中国现代油画界的一位扛鼎人物，他的绘画以其纯净的古典主义美质而享誉中国画坛，在他那承续西方古典艺术传统的人物画中，洋溢着一个当代中国画者在二十年的创作生涯中，因感悟一种伟大的精神而生发出来的荣光之美。这种美纯粹、宁静，吐露着生命的本真。他是一个带有理想主义色彩的现实主义者，绘画注重贴近个人情感，不追求快速消失的东西，寻求的也是一种永恒，一种中国人存在的永恒。

《红衣少女》，布面油画，130×89cm，创作年代暂无。

第七幅 《红衣少女》  

签  名：飞云

《方式》，布面油画，162×130cm，1998年作。

第八幅 《方式》 

签  名：飞云 98.5

《赞美之声》，布面油画，162×130.5cm，2006年作。

第九幅 《赞美之声》

《赞美之声》创作于2006年，相比90年代的画作，艺术技法臻成熟。画中女子身着蓝衣花裙，怀抱吉他，沉浸在悠长的歌声之中，姿态安详，表情含蓄。无论是人物还是画中小狗，画家都细致刻画毫不放松，饱满而生动，端庄朴素的画风中流露出画家对于生活和艺术的礼赞。

《窗外的阳光》，布面油画，130.5×90cm，1999年作。

第十幅 《窗外的阳光》

318小编认为，《窗外的阳光》是杨飞云中期代表作中的经典作品，这幅画的独特性至少体现于三个方面：首先，此画在背景中另有一幅杨飞云的佳作，这种“画中画”的构图设计在杨飞云的作品中极为少见。“画中画”（Picture within a Picture）可追溯至西方艺术史早期文艺复兴时期的悠久传统，并在17世纪的伦勃朗、维米尔和委拉斯凯兹等大师作品中达到顶峰，《窗外的阳光》反映出杨飞云对西方文艺复兴肖像画传统的完美应用和转化。这种十分独特的构图，除了加强纵深感之外，往往有更深的寓意。细究隐藏于背景中的另一幅画作，不难发现，正是1987年上海“全国第一届油画展”中荣获最高优等奖的《北方姑娘》。而《北方姑娘》在杨飞云的第一个风格定型期具有里程碑的意义。《窗外的阳光》作品画风柔美而不媚俗，秀丽而不轻糜，给人以健康的美感，关键在于其室内近观所构筑起来的形体结构和声光节奏，祛除了现实素材中一些无足轻重的杂质，而培育出生命贯注的纯净之美。《窗外的阳光》不仅是杨飞云与西方古典大师的对话，也是他在尝试与自己的早期经典作品对话，标志着杨飞云在艺术语言的探索道路上的心路历程。通过对人物和其生活环境的刻画，表达对于现实生活景象和生命存在的感受，寄寓自己的情怀。像其他中期代表作一样，《窗外的阳光》十分典型地体现出杨飞云这种画风的转变，画中的生活景象具有鲜明的时代特征，但与众不同的是，这幅画暗含着杨飞云从借鉴西方油画到自己风格形成的脉络，画家有意识地将《北方姑娘》以“画中画”的结构嵌套于背景中，是在叩问和总结这一时期艺术探索的所得，抑或展望下一个时期新的艺术问题？可见《窗外的阳光》融入了画家高度的自我意识，以罕见的“画中画”手法在杨飞云中期代表作中凸显出重要价值。

其二，油画《窗外的阳光》的另一个独特处是同时创造了一个室内空间和一个室外空间，这在杨飞云的作品中亦不多见。范迪安及其他一些批评家曾将杨飞云界定为“室内画家”，与所谓“室外画家”相区别。“室外画家”醉心于迅速变化的外部世界，杨飞云却坚持在“室内”这个有限的空间中容纳他的精神追求，正如艺术批评家高全喜所说，杨飞云的“室内”是一种深层的精神空间。中央美术学院教授、艺术评论家邵大箴认为艺术家有两种类型，一种不断求新求异；另一种类型则是坚持不懈，杨飞云属于后者。但对于“室内画家”杨飞云而言，有一类作品更具有探索性，那就是“窗口”题材。《窗外的阳光》是这种“窗口”题材的代表。与一般的室内题材相比，《窗外的阳光》的空间感更为丰富，既呈现出画家擅长的室内场景，又呈现出窗外一抹阳光照耀的现实景观。窗口作为联系内外空间的画面结构，让画家能同时描绘这两个层面。杨飞云有多幅以“窗前”命名的作品，但极少像《窗外的阳光》这样具有完整的两重空间，可以说，《窗外的阳光》“窗前”在构思上是超前的。

其三，这幅油画同时涵盖了人物、植物、水果静物、建筑物等不同内容，画面对这些元素进行了精心组合，展示出杨飞云全面而高超的写实技艺。画中女性人物是杨飞云在这一时期偏爱描绘的典型东方形象，人物衣着上传统青花瓷器般的蓝色与橙黄色形成令人愉悦的对比，而植物和水果在油画传统中一般是象征生命的符号。对于写实派作品来说，比尺寸更重要的是画面的精致，《窗外的阳光》综合描绘各种对象的扎实功底，似乎成为写实技艺的集中展示。正因为如此，《窗外的阳光》不仅被反复著录，而且编选入杨飞云的美术教科书，这说明《窗外的阳光》对中国写实艺术语言的探索具有一定的典范意义，才能用于教学。

中国写实艺术的重要价值之一，是以探索艺术语言奠定绘画学科教学的基础。写实艺术在“学院”、“官方”等类别化的称呼背后，其实代表了中国当代艺术多元面貌中的另一种“艺术本体论”。例如范迪安认为，杨飞云等一大批画家潜心研究古典油画风格，是从油画语言的“本源”和油画内涵的“本质”上探索油画艺术的举动。“发展中的中国油画似乎绕不开掌握地道的油画语言这个基础，因而，杨飞云作为新一代油画家的一员，在这个历史时期承担起了历史性的任务。”杨飞云也曾言，“我们那时的艺术理想，（是）艺术根基的建立和艺术科目的拓展。”可以说，画家的艺术理想凝结在《窗外的阳光》每一个细节的安排中，从而使油画《窗外的阳光》成为杨飞云中期代表作中具有独特价值的经典之作。

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