“古典主义”恐怕是各个主义中最常见和经久不衰的主义了，记得几年前买过一件衣服，他们的广告上都赫然标注“Classical”。我们经常能看到这些词汇，比如古典文学，比如古典音乐，古典建筑，古典绘画，甚至还有“古典绘画技法”。。。

面对“古典主义”被如此广泛滥用，我想我们有必要聊聊“古典主义”究竟是什么，以及该词在不同语境下的不同所指。

首先我们需要讲个故事，故事很久远，但我们不必从头开始讲，仅从讨论对象的往前一点点开始就可以。

古埃及是个神秘的时期，各种神秘我们不用赘述，咱们只看绘画。

是不是好别扭？没错。一眼看上去怪怪的，很多人都可以感觉到，但又说不上来到底怪在哪里。

原因在这里 ↓

从观众视角看去，人物的头部都是朝向画面右侧的，是侧面轮廓，而躯干部分却又是朝向我们的，是正面，四肢和手脚又变成了侧面的，也就是说整个人物是拧着的，那当然别扭了，不信可以自己做一下这个动作试试。

古埃及人注重死亡与死后的升华，并不太重视对客观世界的研究和探索，所以不懂得透视规律，导致绘画时无法从科学透视角度对事物进行准确描摹，但是他们又需要绘画去记录某些事物与事件，那怎么办呢？于是聪明的古埃及人发明了一套方法，可以在无需遵从客观透视的前提下对表达对象做到清晰明确地记录。

那就是：

选取事物最典型的角度进行描绘。

这就是我们常说的“埃及样式”。

再看下面这幅，就更能说明问题了。

这是一个池塘，从高空往下俯视，四四方方一池水。可是水里的鸭子和鱼却不是俯视视角，因为从上往下看，鱼只能看到背部，是一条线，谁都看不出一条线是什么东西，所以选取了鱼最有代表性的角度。周围的树也是同样的道理，这样画不仅能看出是树，还能看出是什么树，结了什么果子，是不是好厉害。

绘画在这个意义上来看，有些像“图纸”，为了清晰明确地去表现对象，描绘者便不能选取偶然瞥一眼看上去的样子，而是要选取最有代表性的典型角度，最能表达永恒价值和内在意义的角度，以此来记录事物。

之所以要说埃及样式，是因为我们要讲“古典”，那么就要讲清楚“典”的含义。

“典”有两层意思，一是“典型”，二是“典范”。

先说“典型”。

“埃及样式”便很清楚地体现了“典型”这一层含义。这一点很重要很重要，是贯穿整个古典艺术的头尾的。我们讲古典艺术，要从开头的古希腊雕塑讲到十九世纪“古典主义”绘画的最后一位大师安格尔，我们看看他们对“典型”这个概念的体现。

这是古希腊的著名雕塑----《掷铁饼的人》，贡布里希曾拿它来论证古希腊人对“典型”这一层含义的把握，为了表达目的，人物的每一个体块都是进行了主观安排和选择的。

这是安格尔的很有名的一副作品，说到这幅作品，画画的朋友都知道那个“三节脊椎骨”的梗，据说安格尔为了使后背曲线看上去更加修长优美，刻意多画了三节脊椎骨。

安格尔不同于古埃及人和古希腊人，他对解剖和透视早已了如指掌，但为了清晰明确地表现对象，却不惜牺牲一部分客观真实，可见“典型”这个含义在“古典主义”者心目中的分量。

再来说“典范”。

前人在把握对象方面是有很多成功经验的，我们把前人的经验作为范本继承下来，那么这些经验就是典范。“埃及样式”也是一种典范，在其后的亚述浮雕里面就可以看到明显的传承。

“古典主义”的历史其实就是样式传承的历史。

现在我们要说到“古典主义”最重要的“典范”--古希腊艺术。

古希腊人是个很特殊的族群。沃林格尔曾经把人类分成四种：原始人，东方人，古典人，哥特人。古希腊人就是古典人。

这一类人的特点是相信理性，并具备理性认知世界的能力。要知道在那个时期，全世界的人类都在使用神学或者玄学来解释世界，比如古印度、古中国、古希伯来民族。古希腊也有自己的神话----奥林匹斯诸神的故事，但他们只是将神人格化而已。古希腊人对客观世界充满好奇，他们使用理性来认识和解释人类自身与周围的世界，于是古希腊的艺术，相较于前面的古埃及、亚述，以及后面的中世纪艺术，有着明显的客观写实主义倾向（当然是倾向，并非真正的写实主义）。在古希腊，人的价值和权利，都是被充分肯定和尊重的。

那是个美好的时代，或者至少是后世想象中的美好时代，于是古希腊成为了后世很多个时期的典范，以后的人们，不止一次地提到要复兴古希腊时期的艺术传统。

我们今天说的“古典主义”，经常在不同的语境里指代不同的对象。

古希腊艺术便是其中被指代的一个，是“古典”中的“典”这个字作为“典范”来解释时的本体，是后世艺术最主要的典范。古希腊时期于是被后世称为“古典时代”，古典时代的主张，自然也会经常被称为“古典主义”。这是作为“典”的本体来叙述时的“古典主义”。“Classic”一词，就是“经典”之意，是“Classical”的本体。

古希腊灭亡后，古罗马人经历了一个希腊化时代，继承了古希腊人的思想和艺术，但随着基督教的诞生和强大，古希腊的思想逐渐被抛弃，被基督教神学取而代之。这就是“黑暗的中世纪”了，当然中世纪艺术有着自身不可取代的地位，我们将会另辟章节讨论。但不可否认，中世纪的一千年，是神学和教会的时代，他们有着对所有一切的解释权，人的价值和地位是不受重视的，甚至是被否定和禁止的。

公元十四到十五世纪，随着资本主义萌芽的诞生和成长，文艺复兴运动开始了。文艺复兴的旗号是“人文主义”，主张充分承认和尊重人的地位，肯定人的价值，反对神学话语权。其实质是初生资本主义的早期反封建运动。但表面看去，这个需求跟古希腊时期的主张有一部分相吻合，于是干脆说成是以古希腊为范本进行文艺复古运动好了，文艺复兴就是这个意思，即复兴古希腊的文艺传统。“Classical”在此体现出了对“Classic”本体的复古含义。

所以在绘画领域，我们也经常会以“古典主义”来指代文艺复兴时期的艺术，文艺复兴时期的杰出艺术家，也被我们称为“古典大师”。此处的“古典主义”，实际上特指文艺复兴时期的“人文主义”。

木心说，西方文明史是“希腊思潮”与“希伯来思潮”交替的历史。

没错，人类总是一会儿追求世俗，一会儿又追求精神，再过一会儿又追求世俗。

古埃及人追求死后的境界，对世俗漠不关心，古希腊人却注重现实与现世，中世纪的基督教又把现实抛弃脑后追求天国，文艺复兴否定神学又转回世俗，巴洛克时期，被压抑的宗教思想再次抬头蓬勃发展，随后紧接着又迎来了笛卡尔。正所谓“三十年河东，三十年河西”。

我们不谈笛卡尔，却可以谈普桑。

“古典主义”第一次作为一个精确的狭义概念出现，就是在这个时候。

这时的“古典主义”，在绘画领域，实际上特指以普桑为代表的艺术流派，这个流派以古希腊艺术作为典范，以古代神话或宗教故事作为题材，依据一套较为严格的艺术样式，创作宏大叙事场面，追求理性和庄严崇高的艺术理想。美术史领域准确称呼“古典主义”，便是指代这个流派，是最狭义的“古典主义”。

这个“古典主义”跟文艺复兴“人文主义”的相同之处，是都主张反对中世纪宗教神学观，认同古希腊的艺术高度；不同之处，人文主义更强调否定神学与教会，肯定人本身的价值，所谓复兴，复兴的是古希腊的人文精神，借以对抗神学和教会，是人的思想解放运动，而狭义“古典主义”则主张重视理性轻视感性，并对古希腊艺术样式进行系统理性的归纳和整理，总结出一套严格的标准，进而进行系统的、理论化的复古，这种主张再极致一些，可能会有“艺术八股”倾向。

再往后，步入了18世纪，以法国王公贵族做为审美主体的洛可可艺术兴盛了，同时，法国启蒙运动也逐渐步入高潮，这是法国大革命的酝酿时期，在艺术上直接影响出现了以达维特为代表的“新古典主义”绘画，“新古典主义”是相对普桑的“古典主义”而言的。

在艺术主张上，二者大致相同，都主张理性、严谨、复兴古希腊的艺术高度，但狭义“古典主义”相对比较理想化，“新古典主义”则现实主义一些，抛弃了一些空洞的理想主义的“绝对美”的概念，并且多了一层英雄主义色彩，反对洛可可时期的浮夸艺术风实际就是反对封建王权，它是为法国大革命铺路的，所以它被称作“革命的艺术”。

我们在广义上，仍可以将“新古典主义”称作“古典主义”。

达维特弟子众多，据说最爱热拉尔，还有个近几年很受国人喜爱的女弟子，叫做维瑞·勒布伦，以自画像和母女二人像流传最广，作品气息更加接近洛可可艺术风格，格罗是达维特弟子里最有浪漫主义倾向的画家，再就是我们最熟悉的安格尔。安格尔通常被认为是古典主义几百年来最后一位大师。

再后来，艺术进入了印象主义时代，这在艺术史上是个的巨大转折，艺术家们第一次明确主张走出室外，追求真实的色彩，追求瞬间和生动，与以前追求永恒庄严和理想化的“古典主义”彻底分道扬镳。到塞尚为止，“古典主义”在艺术史中终于彻底结束。

有一句常见的话是这样说的：

乔托开启了“古典主义”绘画的大门，塞尚将其关闭。

意思就是，不算古希腊的雕塑，单说“古典主义”绘画，它的起点是文艺复兴的乔托，终点是后印象派的塞尚，这两端中间的绘画，都可以叫做“古典主义”绘画。

当然，这里的“古典主义”，是可以将“浪漫主义”的籍里柯和德拉克洛瓦以及“现实主义”的库尔贝都包含在内的，是最最广义的“古典主义”。

怎么样？是不是乱成一锅粥。

那我们可以做一个简洁一些的结论：

1.“古典主义”做为最最广泛的概念使用，是指上至乔托下至塞尚这之间的几乎所有形式和流派，因为我们从最宏观的角度，可以把西方艺术史划分为古代艺术时期（古埃及、亚述、古希腊、古罗马）、中世纪艺术时期、古典艺术时期（乔托至塞尚）、现代艺术时期（塞尚至杜尚）、当代艺术时期（杜尚以后）。

2.另外，“古典主义”又可以做为经典本体指代古希腊艺术。

3.还可以代替“人文主义”来指代文艺复兴艺术。

4.又可以在狭义上特指普桑为代表的的“古典主义”绘画流派，或者再广义一些包含后来的“新古典主义”流派。

但是，“古典主义”不管在哪个含义上讲，都至少有以下特征：

1.文学性叙述。文学性是古典艺术的文本，是不可抛弃的内容。

2.样式传承。样式作为一种典范在历代艺术家中继承和发展，是古典绘画的形式线索。

3.具象表现方式，有写实倾向（只是倾向）。因为“古典”在西方美术史中不仅有古代之意，还特指了受希腊思潮影响的以探索研究客观世界为目的的表现方式。

4.室内光线与固有色体系。这是印象派外光条件色体系之前的必然特征，古典画家即使画风景，也逃离不了这个特征。

至此，我们对“古典主义”这个概念算是梳理完了，请注意2、3两条，样式传承与写实倾向必须是缺一不可的，单纯的样式主义和单纯的写实主义都不能算“古典主义”。

接下来，我们再看看什么是“古典绘画技法”。

实际上“古典主义”从来没有对技法和材料有过任何限定，从乔托至安格尔，中间历经几百年，绘画技法多种多样，有湿壁画，有坦培拉蛋彩，有凡艾克的弗拉芒技法，有提香的威尼斯技法，有鲁本斯和委拉斯贵之的“一次过”，也有伦勃朗的不断罩染与厚涂交替…太多太多了。

所以，所谓“古典绘画技法”并不是一个严肃的概念，我们常见的持此说法者，多半用以指代“灰底提白加透明色罩染”技术，包括银灰底提白罩染、土红底提白罩染等，这是一种形色分离的制作技术，形体塑造与色彩赋予是两个制作部分，此类技术多与宾卡斯和伊维尔来中国的技法教学有传承关系。

实际上，同样是这个技术，也可以用来制作当代艺术作品；即便是古典主义绘画，也可以用直接画法表达。

所以，制作技术与艺术主张并不存在挂钩关系，用“古典”来命名一个技法，是不严谨的。正确叫法应该是“XX（艺术家名字）技法”、“灰底提白加透明色罩染技法”或者“传统油画多层覆盖技法”。

OVER。

（来源：艺术的没落公众号）