提香·韦切利奥，又译提齐安诺·维伽略（ Tiziano Vecelli或Tiziano Vecellio，约 1488/1490年 – 1576年8月27日 ），英语系国家常称呼为提香（Titian）。他是意大利文艺复兴后期威尼斯画派的代表画家。提香被称为西方现代油画之父，他与另一位大师乔尔乔内（Giogione 1477-1510年）一起师从威尼斯画派的创始人乔凡尼.贝利尼（Giovanni Bellini，1427/1430-1516年）。这里我们介绍一下提香笔下那些令人惊艳的盛世美颜。
1.威尼斯圣方济会荣耀圣母圣殿的《圣母升天图》
在提香28岁的时候，威尼斯画派的大师乔凡尼.贝利尼过世，提香继任为威尼斯第一画师。与威尼斯宫廷的关系开始建立。提香收到了《圣母升天图》这幅巨型画作的订单。这幅画最后被放在了威尼斯圣方济会荣耀圣母圣殿（Chiesa Santa Maria dei Frari）的墙壁上。
圣母升天（又称圣母蒙召升天、圣母被提升天），根据天主教信理，是一个有关圣母玛利亚的神学观点，这个神学观点相信耶稣的母亲玛利亚，在结束今世生活之后，灵魂和肉身一同被上升到天堂。天主教、东正教、东方正统教会和部分圣公会团体承认这个神学观点，天主教将其作为正式教义的一部分。虽然“圣母升天”在1950年才被天主教会宣布为信条，但是这个神学思想却由来甚久。
画面中圣母从一个坟墓里逃脱出来，门徒们曾将她安置于此休息。画面中圣母站在有三个天使托起的巨大的云层上。她正在升入天空，在那里有上帝在等待她。画面中上帝徘徊在拱顶之下，挡住了太阳。从人物的扭曲的身型这一视觉效果来看，圣母的女性体态与宽大的臀部都现实了她正在上升。画面中的圣母并非中世纪时期那种自带神圣光环的形象，而是一个处于恐惧中的女生，这让她显得与世俗中人无异。
对一个年轻的艺术家来说，这样一个了不起的订单让提香变得出名。画面的创作比较简单，里面没有风景描绘，也没有外部面板。圣母的圣体悬在半空中，处于这幅画的中心，而这幅画则处在教堂的正中。在1518年，当这幅画呈现在威尼斯人民面前的时候，提香的名声大噪。
2.罗马波各赛美术馆《圣爱和俗爱》
波各赛美术馆（Museo e Galleria Borghese）内提香的这幅名为《圣爱和俗爱》的绘画壮观而又充满哲理。这幅画中有两个女人一个裸女，另一个则穿着衣服。两个女人倚坐在乡间的一个古墓旁的泉水池上。一个天使在泉水的另一侧玩耍。泉水池的一旁则有一个铜管将泉水引出。这一神秘的场景背后是一个非常深远的风景，有建筑。有居民，犹如牧歌萦绕的黄昏。这一背景是提香按照师兄乔尔乔内的绘画方式来画的。乔尔乔内比提香年长约十岁左右，是提香崇拜与模仿的对象。然而乔尔乔内却不幸与三十岁出头病逝。下面这幅画中的人物正是乔尔乔内和提香。
世俗的爱在画作中并非由那个裸女来表达，相反，穿着长裙又带着桃金娘花（Myrtle）头饰的妇女代表了俗世的爱。这里先科普一下这种在现今的欧洲仍然受到女士们欢迎的桃金娘花冠，频频出现在各种礼仪服饰中。Myrtle在罗马神话中是爱与美神维纳斯的象征。它是伴随着希腊神话出现在世人眼前的。传说爱与美神维纳斯踩着扇贝从塞浦路斯岛（Cyprus）的海水中冉冉浮生，踏上帕福斯（Paphos）的海岸后走入一丛Myrtle中蔽身，从那以后，所有世间美好的事物都与Myrtle有关。祝福是它、和平是它、纯洁是它、美丽是它。意大利画家桑德罗·波提切利创作于1482年的名画《春》里就可以看见这种花。1482年他以诗人波利蒂安歌颂爱神维纳斯的长诗为主题，为美第奇别墅所画。这幅画和《维纳斯的诞生》一起，成为波提切利一生中最著名的两幅画作。现藏于意大利佛罗伦萨的乌菲兹美术馆。白色的Myrtle是维纳斯的代表。
1840年9月12日，舒曼与克拉拉在莱比锡附近的乡村教堂中举行了婚礼。克拉拉头戴桃金娘的花冠，舒曼把他作的由二十六首歌曲组成的歌曲集《桃金娘》(作品25)送给克拉拉作为结婚礼物。
Clara Wieck Schumann (1819 - 1896)
接下来，我们回到《圣爱和俗爱》这幅绘画中带桃金娘花冠的女人。她的手上戴着手套，左手正在保护着用宝石封口的花瓶，象征着大地上的珍宝。她美的那么世俗，正如下面《俗爱》这幅画中穿着当代服装的维纳斯，手中的镜子反射出了珠宝和金币。
与中世纪传统基督教习俗决相裂，文艺复兴时期的画中出现的裸体可以用来表现上帝的造物之能的伟大，同时也被赋予了美与爱的神圣思想。于是，我们就明白了为什么裸体的维纳斯可以用来表达神圣的爱。维纳斯手中拿着一盏油灯，油灯的火焰升到天堂，为的是控制穿衣的维纳斯保护她的珠宝。图像学家潘诺夫斯基认为，提香在这里
同时赞颂了两种美的理念：一种是未加矫饰的纯纯的爱，另外一种是外表之美，即16世纪意大利艺术百花争鸣的景象。同时，也表达了夫妻之爱与天主之爱。在两人之间的丘比特天使做工的使得这两种爱得以和谐。画中的丘比特正在玩水，建起的水花代表了这个概念。
3.佛罗伦萨乌菲兹美术馆《花神》
提香《花神》这幅画画了一位美妙绝伦的年轻妇女。这里将画于同一时期，同一城市的雅克伯·帕尔马《金发女郎》与之进行比较。两幅画中的模特的手与胳膊是同一个姿势，脑袋的倾斜角度也相似，坦露的胸部也相似，虽然后者比前者裸露的更多一些。《金发女郎》看起来没有《花神》的脸庞亲切，表情稍显严肃，但这是人们更喜欢提香的画原因吗？花神褶皱的上衣闪耀着无与伦比的光辉，但金发女郎带有蓝色丝带的上衣并没有前者的上衣精美。再来比较一下她们手中的花束，我们看到提香的花更加流畅，光感跟强。可能帕尔马的花更新鲜，那此处拿花的手从阴影中凸显出来，手指则处在阴影中，这与提香画中的手不一样，花神的手没有在阴影中。花神裸露的肩膀上散落的头发画的非常精细，而金发女郎的头发显得有些模糊。与藏于罗马的提香的《莎乐美》和卢浮宫的《俗爱》相比较，花神的脸庞有些太光滑匀称，显得有些虚弱，脸颊和额头的皮肤看起来似乎因为修补而缺失了一些什么。
4.巴黎卢浮宫《镜前梳妆的妇人》
沿着前面的美女路线，下面我们来看一下《镜前梳妆的妇人》这幅画。很少有画家的创作像提香一样全部用曲线，画框深浅的浮雕遥相呼应。后面的仆人拿着镜子，这样女人可以看到自己的脸。背后的凸镜也映射出了她的颈背，然而实际上后面镜子里是空的。即便没有耳环、项链和手镯，仅仅在小指上有一个戒指，这幅画也体现了女性特质。然而通常情况下，那些繁复的首饰是画家喜爱描绘的，目的是衬托出女性的柔美特质。但是此处，提香并不需要这些金属特质的衬托，他把这一任务交给了光线。自然光从左侧照射进来，把褶皱的衬衫变成了珍珠母色，把头发变成了金色，把仆人红色服饰上的微光变成了糖色。妇女胸部以及后部袖子下有可人的阴影。在与妇女头部平行的两侧，仆人和镜子处并没有女性美。
卢浮宫里提香的画作不止一幅，还有像《基督下葬》，《婚姻的寓言》，《以马杵斯的门徒》，《田园音乐会》，《戴手套的男人》，《佛朗索瓦一世像》，《戴荆冠的耶稣》，《圣母子和圣徒》，《朱庇特和安提俄珀》，《圣母和兔子》等。
很明显，这些女人的肖像在被创作时，提香加入了不自然的姿势、外表美和性吸引等等的描绘，为了让这些元素的象征意义包含更多的想法。同时添加了神圣性与意大利当地的世俗审美。将神话的永恒性与提香时代的转瞬即逝的美柔和在一起。提香成为一代大师的道路上借鉴了许多优秀艺术家的技法，其中他的老师贝里尼和师兄乔尔乔内对他的影响最大。而乔尔乔内则吸收了许多达芬奇的技法，这些也都传授给了提香。
（来源:MFmore壹添艺术）
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